Guiones de series: Game of Thrones 

Guiones de series: Game of Thrones 

Creada por David Benioff y D.B. Weiss, basada en la serie de novelas Canción de hielo y fuego de George R. R. Martin. La primera temporada de la serie fue estrenada el 17 de abril de 2011 en Estados Unidos, el 8 de mayo en Hispanoamérica y un día después en España.

Juego de tronos ha utilizado siete escritores a lo largo de cinco temporadas, los creadores de la serie David Benioff y D. B. Weiss escriben la mayoría de los episodios de cada temporada.

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George R. R. Martin, escribió un episodio en cada una de las cuatro primeras temporadas, no forma parte de la sala de guionistas, pero lee los guiones y da observaciones, no obstante, es un hecho que George R.R. Martin sabe escribir. Usando argumentos de la historia inglesa con algo de fantasía, creo una epopeya que es un referente de buena televisión. Aquí te compartimos algunas lecciones de escritura que podemos aprender de este escritor.

  1. Todo tiene consecuencias. Las acciones buenas no necesariamente conducen a recompensas y las malas no siempre son llevadas ante la justicia, pero cada elección que hace un personaje puede tener enormes ramificaciones. Por ejemplo, el enamoramiento de Sansa por Joffrey conduce a la decapitación de su padre o el intento de Jaime por salvar King’s Landing, lo convierte en el Kingslayer para siempre. Pocas buenas acciones quedan impunes.
  2. Escribe en tu propio universo. Martin cree que cada escritor debe construir su propio mundo ficticio para afinar su oficio y no tomar prestado el mundo de otro, eso es solo una salida perezosa. Cada escritor debe aprender a crear sus propios personajes, mundos y entornos. Si no ejercitas tus músculos literarios, nunca los desarrollarás.
  3. Escribe la verdad. No significa que solo puedas escribir sobre cosas que te hayan sucedido, pero debes escribir desde un lugar de verdad emocional, sin importar cuántos de tus personajes sean dragones. Debes hacer realidad a tus personajes, explorando la verdad dentro de ellos. Por ejemplo, si vas a escribir sobre un personaje que es testigo de la muerte de una persona, tienes que meterte en ti mismo y recordar cuando tu has perdido a un ser querido, incluso si solo es un perro al que querías de niño. Toca esa vena de energía emocional. Tenemos que llegar a nosotros mismos para encontrar el poder que hace realidad la gran ficción.
  4. Acepta que habrá días buenos y malos de escritura. Siempre escribe un poco cada día. No te des por vencido aunque un día no sea productivo. Siempre hay mañana.
  5. Evita los clichés. Martin intenta evitar las luchas simplificadas entre el bien y el mal, y mostrar el costo humano de incluso las guerras más ‘nobles’. En la fantasía simplista, las guerras siempre están completamente justificadas: tienes las fuerzas de la luz luchando contra una horda oscura que quiere esparcir el mal sobre la tierra, pero la historia real es más compleja. Por ejemplo tienes la Guerra de los Cien Años que fue básicamente una disputa familiar que causó el sacrificio de generaciones enteras.
  6. Ama el género que estás desarrollando. Siempre es un equilibrio entre agregar la verdad emocional y detectar los defectos en los géneros que amas, y celebrar lo que hace que esos géneros sean tan amables en primer lugar. Martin dice que leemos fantasía para encontrar los colores de nuevo, para degustar las especias fuertes y escuchar las canciones que cantaban las sirenas. Hay algo antiguo y verdadero en la fantasía que habla de algo muy profundo dentro de nosotros, al niño que sueña con cazar en los bosques, y que festejaría debajo de las colinas y que encontraría un amor que duraría para siempre en algún lugar al sur de Oz y al norte de Shangri-La. 
  7. Encuentra la humanidad en cada personaje. Martin tiene muchos personajes en sus libros, y ya sea que esté escribiendo un niño inocente o un Ramsay Bolton, intenta encontrar la humanidad en cada uno. Para meterse dentro de su piel, hay que identificarse con ellos, incluso a aquellos seres desagradables, retorcidos y con grandes defectos, con problemas psicológicos. A lo mejor no sientes simpatía por ellos pero sí una empatía. Hay que percibir el mundo como lo hacen y eso te creara cierta cantidad de afecto.
  8. Reescribir y editar. Para autoeditar, Martin repasa cada palabra y corta cualquier cosa que se sienta extraña. Hay que cortar la grasa y dejar el músculo. 
  9. Escribe desde puntos de vista específicos. A pesar de tener cientos de personajes y locaciones, debes fundamentar tu historia en unos pocos personajes específicos con puntos de vista claros. Solo seguiremos una trama complicada si nos preocupamos lo suficiente por las vidas individuales de las personas en la historia.
  10. No hay forma incorrecta de escribir. Puedes necesitar de un argumento o te guste comenzar y ver qué es lo que surge del caos. Averigua dónde se encuentran tus puntos fuertes y convierte esa práctica en tu escritura oficial. Según Martin, hay dos tipos de escritores, los arquitectos y los jardineros. Los arquitectos planean todo antes de tiempo, como un arquitecto que construye una casa. Los jardineros cavan un hoyo, sueltan una semilla y la riegan. Yo soy mucho más jardinero que arquitecto. 
  11. Aprende de lo que leas. Lee todos los géneros, no importa qué es lo quieres escribir. Lee ficción, no ficción, revistas, periódicos. Todo escritor tiene algo que enseñarte, para bien o para mal. Puedes aprender tanto de los libros malos como de los buenos.

“Escribe todos los días, incluso si es solo una página o dos”. – George R.R. Martin

Lee el trabajo de Martin adaptado a la pantalla, AQUI.

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Lee el guion de Reservoir Dogs de Tarantino

Lee el guion de Reservoir Dogs de Tarantino

Por Nayib González

Sin duda, Quentin Tarantino es uno de los directores más reconocidos de la época. 

Tarantino, es un guionista y director americano, fanático de la cultura pop y ganador de varios premios, dirigidos principalmente a sus buenos y originales guiones. Con un gran y único estilo de contar historias no lineales llenas de violencia y buena música, así como la capacidad de transformar conversaciones normales en algo fascinante y lleno de tensión.

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Películas como Bastardos sin Gloria, Pulp Fiction, Django y Perros de Reserva que han hecho de su nombre algo grande dentro de la industria del cine. 

Para él, sus guiones son la parte más importante de la creación de una película, y esto es lo que hace que su escritura sea tan fascinante y reconocida, pues los ve como una obra literaria, dándole  la capacidad de no pensar como director sino como escritor. 

“No es acerca de la película, es acerca de la página”.  Su compromiso con su escritura permite que se envuelva completamente  en su nuevo mundo, historia y en sus personajes,  y es su trabajo  después como director adaptarlo a la pantalla.

Una de las más grandes influencias para Tarantino es el cine en general, ver películas es aprender a hacer cine, y su trabajo en una tienda de video, junto con sus clases de actuación, lo llevaron a aprender y estudiar lo que funcionaba dentro de una historia y  lo que no. Tarantino,  aprendió las reglas y encontró la manera de ignorarlas generando una buena respuesta. 

Ha sido creador de historias desde 1992, con su opera prima que lo lanzó al mundo de la dirección,  Perros de reserva que a su vez, es reconocida como una de las películas independientes más importantes de la época. 

Una historia acerca de seis criminales, que se encuentran dentro de una bodega después de que un asalto termina terriblemente mal. Tras la sospecha de que hay un traidor dentro del grupo que los vendio a los policías, Mr. Orange, Mr. White, Mr. Blonde y Mr. Pink nos revelan poco a poco sobre lo sucedido y lo que deberá pasar de ahora en adelante. 

La película tiene un estilo no lineal, no es de inmediato donde se nos explican las cosas, inclusive en la primera escena, cuando este grupo de seis hombres vestidos de traje discuten dentro de una cafetería, donde  ni siquiera logramos conocer a los personajes al cien por ciento.

Esto contrasta con la estructura típica de tres actos, pues por lo general siempre conocemos un poco sobre nuestros protagonistas en el primero, mientras que en esta historia sabemos acerca de ellos  y de la situación en la que se encuentran, hasta después de nuestro primer punto de giro; Cuando Mr. Orange se nos es presentado desangrándose en la parte trasera de un coche, con Mr. White al volante intentado tranquilizarlo. Es desde aquí, en donde la información se nos será siendo revelada a través de diálogos o con pequeñas acciones de los personajes.

Mr. Orange y Mr. White llegan a una bodega, en el que entendemos es el lugar donde todos deberían encontrarse. Tras la llegada de Mr. Pink,  llega la sospecha implantada de alguien siendo un policía en secreto, les tendió una trampa. Al mismo tiempo, se nos es relatado el evento ocurrido, conocemos todo detalle del asalto con solo lo que platican. 

Nuestro segundo acto no solo es la presentación de nuestros personajes y la explicación de todo lo que estamos viendo, si no que también es la búsqueda de este “traidor” dentro del equipo. 

 Conocemos también a Mr. Blonde, quien es el “psicópata” de la historia y quien ocasiona probablemente la más grande violencia de la que aprenderemos, con su escena torturando a un policía y disfrutándolo a su vez con una buena canción de los 70s. 

El siguiente gran punto de giro es cuando aprendemos quien es el policía en secreto dentro del grupo. No sin antes, entender a través de flashbacks los comportamientos de dos de nuestros grandes criminales “Mr. White” y “Mr. Blonde”. También, conocemos  lo que los hace especiales para el evento, junto con la conexión y mente maestra del gran asalto, Joe Cabot.

Cuando Mr Blonde se queda a cargo del policía secuestrado, durante su intento de asesinato hacia este , Mr. Orange dispara a Mr. Blonde matándolo, y es aquí cuando sabemos de la misión en cubierto de Mr Orange, y del fallo del plan hacia ambas partes de la historia, pues tanto para los criminales como para los policías la situación se encuentra fuera de control. 

A partir de este midpoint, ya no se trata de saber quien es el traidor, si no de conocer la empatía que este policía encubierto genera con los criminales, y al mismo tiempo la forma en la que terminó involucrado.

La historia desde este punto va más allá de  solo contarnos el plan del asalto, si no del tipo de relación que se genera entre estos personajes no solo como criminales profesionales, si no como personas dentro de una sociedad. 

Nuestro ultimo punto llega cuando se confronta a nuestro gran impostor, o sea “Mr. Orange”. 

Joe Cabot aparece en el almacén confirmando la teoría de Mr. Pink, y a su vez amenazando con una pistola al moribundo de Mr Orange, mismo al quien defiende Mr. White.  Todos apuntándose a todos, o al menos los restantes del grupo, concluyendo así la historia, cuando todos se disparan entre todos.

El único ganador en la historia es  Mr. Pink, quien aparenta ser un personaje no tan relevante a pesar de formar parte de toda la historia, o incluso inteligente. Sin embargo, Mr. Pink sale del almacén seguro de si mismo con los diamantes en su mano, siendo al final el criminal más profesional de toda la historia.

 

Minutos después, la policía entra al lugar con el resto de los personajes muertos, y Mr White apuntando a Mr Orange al enterarse de su propia boca de haber sido siempre el traidor, su pequeño lazo de amistad es destruido por una traición. 

Perros de Reserva es una película que contrasta un poco con el tipo de violencia que Tarantino suele utilizar, pues si es un hecho que la situación es violenta, y que el uso excesivo de la sangre sigue formando parte de esto, su violencia es mínima a comparación de otras, siendo un poco más realista y menos presente visualmente, pues la mayoría de los actos sangrientos se nos son contados, o  incluso puestos a nuestra imaginación. 

Una de las muchas marcas de Tarantino, es hacer que el espectador conecte con el personaje, para después darle un giro a esta conexión, y es justo lo que hace con esta película.   

Nos presenta personajes llenos de personalidad que generan cierta empatía, tanto encantadores como malvados, que golpean nuestras bases emocionales mientras cometen las barbaridades,  así como acciones simples y  cotidianas. 

Quentin Tarantino, es un guionista que se mantiene siempre fiel a sus historias y a su forma de ver la vida, si bien su éxito se lo ha ido ganando poco a poco gracias al tiempo que le dedica a pensar y elaborar sus historias, conociendo cada mínimo detalle de estas, y es esto una de las cosas mas admirables de este artista. 

“No escribas lo que crees que la gente quiere leer. Encuentra tu voz y escribe lo que hay en tu corazón.” – Quentin Tarantino. 

Lee el guion AQUI.

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Lee los guiones que compiten por su nominación al Oscar

Lee los guiones que compiten por su nominación al Oscar

La 91ª edición de los Oscar tendrá lugar el 24 de febrero de 2019. Los nominados serán anunciados el 22 de enero del 2019.

El calendario de premios  anunciado por la Academia es el siguiente:

18 de noviembre de 2018 — Gala de entrega de los Oscar honoríficos (Governors Awards)
7 de enero de 2019 — Se abre la votación de nominaciones
14 de enero de 2019 — Se cierra la votación de nominaciones
22 de enero de 2019 — Anuncio de nominaciones de los 91º Oscar
4 de febrero de 2019 — Almuerzo de nominados
9 de febrero de 2019 — Gala de entrega de los premios científicos y técnicos
12 de febrero de 2019 — Se abre la votación de los premios
19 de febrero de 2019 — Se cierra la votación de los premios
24 de febrero de 2019 — Gala de entrega de los 91º Oscar

Te invitamos a leer algunos de los guiones que están compitiendo por su nominación al Oscar. Da click en el nombre de la película para acceder al guion.

The Sisters Brothers. Basado en el libro de Patrick deWitt, guion de Jacques Audiard y Thomas Bidegain. Guionistas de películas como Metal y Hueso (2012), Un prophète (2009). 1850. Charlie y Eli Sisters viven en un mundo salvaje y hostil, en plena fiebre del oro. Tienen las manos manchadas de sangre: la sangre tanto de criminales como de personas inocentes. No tienen escrúpulos a la hora de matar. Es su trabajo. Charlie (Joaquin Phoenix), el hermano pequeño, nació para matar. Eli (John C. Reilly), sin embargo, sueña con llevar una vida normal. Ambos son contratados por el Comodoro para encontrar y matar a Hermann Kermit Warm (Jake Gyllenhaal), un buscador de oro. De Oregón a California arranca una caza despiadada, un viaje iniciático que pondrá a prueba el demencial vínculo entre los dos hermanos.

Roma. Guion y dirección de Alfonso Cuarón. Cleo (Yalitza Aparicio) es la joven sirvienta de una familia que vive en la Colonia Roma, barrio de clase media-alta de Ciudad de México. En esta carta de amor a las mujeres que lo criaron, Cuarón se inspira en su propia infancia para pintar un retrato realista y emotivo de los conflictos domésticos y las jerarquías sociales durante la agitación política de la década de los 70.

BlacKKKlansman. Basado en el libro de Ron Stallworth. Guion de Charlie Wachtel, David Rabinowitz, Kevin Willmott y Spike Lee. A principios de los años setenta, una época de gran agitación social con la encarnizada lucha por los derechos civiles como telón de fondo, Ron Stallworth se convierte en el primer agente negro del departamento de policía de Colorado Springs. Pero es recibido con escepticismo y hostilidad por los mandos y algunos de los agentes. Sin amedrentarse, decide seguir adelante y hacer algo por su comunidad llevando a cabo una misión muy peligrosa: infiltrarse en el Ku Klux Klan y exponerlo ante la ciudad.

The Front Runner. Guion de Matt Bai, Jay Carson y Jason Reitman. Narra la campaña presidencial del senador estadounidense Gary Hart, que tuvo lugar en 1988, momento en el que los medios de comunicación difundieron un escandaloso romance extramatrimonial del político. Tras perder la candidatura democrática contra Walter Mondale en 1984, Gary Hart (Jackman) hizo un regreso triunfal a la candidatura a Presidente en 1987, en un momento en que su partido estaba desesperado por arrebatarle el poder a los republicanos después de dos mandatos de Reagan. Hart tenía todo para él: inteligencia, carisma y experiencia como abogado, director de campaña y senador, sin mencionar a una Primera Dama ideal en su adorable esposa Lee (Farmiga). Pero todo comienza a desmoronarse cuando corre la voz de que Hart es un mujeriego, un rumor seguido rápidamente por informes de que ha tenido una aventura con Donna Rice (Sara Paxton).

The Wife. Basado en el libro de Meg Wolitzer. Guion de Jane Anderson. Joan Castleman (Glenn Close) es una buena esposa, de belleza madura y natural, la mujer perfecta. Pero lo cierto es que lleva cuarenta años sacrificando sus sueños y ambiciones para mantener viva la llama de su matrimonio con su marido, Joe Castleman (Jonathan Pryce). Pero Joan ha llegado a su límite. En vísperas de la entrega del Premio Nobel de Literatura a Joe, Joan decide desvelar su secreto mejor guardado.

The Ballad of Buster Scruggs. Guion de Joel Coen, Ethan Coen. Segmento All Gold Canyon basado en una hsitoria de Jack London y The Gal Who got Rattled, inspirada en una historia de Stewart Edward White. Antología de seis capítulos, cada uno enfocado desde una perspectiva distinta con respecto a la frontera norteamericana y a los peculiares personajes que habitan en sus alrededores. Cada parte cuenta una historia distinta basada en las convenciones del Lejano Oeste de los Estados Unidos.

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Guiones de series: Friends (Piloto)

Guiones de series: Friends 

Serie creada por David Crane y Marta Kauffman bajo el nombre de Insomnia Cafe y Six for One, hasta convertirse en Friends. 

El 22 de septiembre de 1994 por NBC se transmitió por primera vez el capítulo: The One where Monica gets a Roomate. La serie le dio a toda una generación personajes entrañables: Chandler Bing, Phoebe Buffay, Monica Geller, Ross Geller, Rachel Green y Joey Tribiani, quienes viven en Manhattan y gustan de reunirse en Central Perk.

Tras el éxito en EU, comenzó su difusión en otros países, siendo considerada una de las mejores series de la televisión. Friends está compuesta por diez temporadas, transmitiendo su último capítulo el 6 de mayo del 2004. Sin embargo, la serie continua transmitiéndose para gusto de los fans y de nuevos seguidores.

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Friends se consolidó como una serie referencia para posteriores sitcoms como es el caso de How I met your mother y The Big Bang Theory.  Teniendo en cuenta que antes de Friends, existieron otras sitcoms como The Mary Tyler Moore Show, The Bob Newhart Show, TaxiCheers o Living Single que también explora la situación de seis amigos afroamericanos que viven en Brooklyn.

En ese primer capítulo se nos presenta a cinco amigos que pasan el día en una cafetería, llegando un sexto para completar al grupo. Es a través de lo que hablan, que comenzamos a conocer a cada uno, los dilemas que están enfrentando en ese momento y sobre todo de los temas que explorara la serie a lo largo de todas sus temporadas.

FRIENDS, Lisa Kudrow, Matt LeBlanc, Courteney Cox, Matthew Perry, Jennifer Aniston, David Schwimmer, (Season 1), 1994-2004, (c)Warner Bros. Television/courtesy Everett Collection – FILM STILL

Cuando David Crane y Marta Kauffman desarrollaron la idea de la serie, siempre imaginaron a Joey y Monica como los personajes con el interés amoroso, sin embargo, mientras se escribía el piloto y se completaba el reparto, se cambio a Ross y Rachel como personajes de la historia principal. Es mientras se desarrolla una serie cuando vamos conociendo a nuestros personajes, sus necesidades y deseos, su voz y relaciones con otros personajes. Es el momento de explorar las situaciones que pueden suscitarse y construir a partir de ellas.

Las situaciones cómicas que tenemos en Friends nos hablan de los personajes, como enfrentan dilemas humanos sobre sus relaciones amorosas y el trabajo. Hay una progresión guiada por estas situaciones y por la historia principal, el interés amoroso entre dos de los personajes. Posteriormente la ‘trama’ principal que se nos presenta en la primer temporada, se irá diluyendo para darle paso a otras relaciones de los personajes como es el caso de Monica y Richard. Es importante notar que cada capítulo y cada temporada, toma a un personaje y lo desarrolla, le permite crecer solo y por supuesto con ayuda de sus amigos, pero siempre dandole a cada uno su propio espacio para conocerlo y hacernos reír.

Antes de ver Friends por vigésima octava vez, lee el piloto  AQUI.

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FICG TV Pitchbox para series latinoamericanas

FICG TV Pitchbox para series latinoamericanas

La plataforma online Filmarket Hub ha abierto la convocatoria de proyectos para FICG TV Pitchbox, un nuevo evento de pitching enfocado a series de ficción latinoamericanas en fase de desarrollo, el cual tendrá lugar el próximo 13 de marzo en el marco de Industria del Festival Internacional de Cine en Guadalajara. Entre todos los proyectos candidatos, siete serán seleccionados para presentar ante ejecutivos de las principales televisiones y plataformas de Latinoamérica.

De momento el evento ya cuenta con la participación confirmada de HBO Latin America y Turner. Además, la empresa Cinecolor premiará a uno de los siete proyectos con 500.000 pesos mexicanos en servicios de postproducción de imagen.

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Hasta el 17 de enero los proyectos de serie interesados podrán inscribirse como candidatos a través del mercado online de Filmarket Hub. Los seleccionados y las diez menciones especiales se anunciarán el 31 de enero.

El evento supone la primera gran apuesta de FICG Industria por las series y al mismo tiempo es el primer pitching de series impulsado por Filmarket Hub en Latinoamérica, tras las exitosas ediciones de TV Pitchbox en Madrid y Londres.

En London TV Pitchbox, cuya primera edición se celebró el pasado 28 de septiembre, siete series británicas en desarrollo fueron presentadas ante ejecutivos de empresas como Lionsgate, Channel 4, Sky, Entertainment One, UKTV o Virgin Media. Además, el evento londinense contó con un case study de ‘Peaky Blinders’ de la mano de Jamie Glazebrook, productor ejecutivo de la serie.

Por otro lado, Madrid TV Pitchbox se ha convertido en el pitching de referencia de la ficción española y celebrará su segunda edición el próximo 18 de diciembre. En la primera edición participaron plataformas como HBO España o Amazon Prime Video Spain, y para la nueva edición están confirmados players como Atresmedia Studios, Mediaset España, Movistar+ o RTVE.

Replicando el mismo formato, las siete series seleccionadas para FICG TV Pitchbox dispondrán de siete minutos para realizar un pitch de venta con apoyo visual ante las empresas invitadas. Una vez finalizada la sesión de pitching tendrá lugar una comida de networking donde proyectos y ejecutivos podrán compartir impresiones y contactos.

Filmarket Hub es un mercado online que conecta proyectos de cine y televisión en desarrollo con empresas del sector audiovisual: productoras, televisiones, plataformas OTT, agencias de ventas internacionales y distribuidoras. Se trata de una iniciativa que nace con el objetivo de dar visibilidad al mejor talento emergente y favorecer acuerdos para producir nuevos proyectos a nivel internacional. Actualmente cuenta con más de 15.000 usuarios de toda Europa y Latinoamérica. Bajo la marca Pitchbox, también organiza eventos de pitching donde los mejores proyectos de la plataforma se presentan ante las empresas más importantes de la industria.

“Después de London TV Pitchbox, FICG TV Pitchbox supone otro paso muy importante en la estrategia de internacionalización de Filmarket Hub. México y Latinoamérica están viviendo un boom de series originales del cual hace tiempo que queremos formar parte activa mediante un gran evento internacional. En este sentido estamos muy felices de poder aliarnos con Guadalajara, festival de referencia en Latinoamérica que también comparte nuestras ganas de poner el foco en las series. Filmarket Hub ya cuenta con una gran base de usuarios latinoamericanos que hasta ahora no habían podido disfrutar de una oportunidad así. Nuestro objetivo es captar al mejor talento local para promocionarlo a nivel internacional a través de nuestra plataforma.” explica Bernardo Gómez, cofundador de Filmarket Hub.

El Festival Internacional de Cine en Guadalajara llega a su edición 34 con especial fortaleza debido a dos acontecimientos de gran envergadura. Por un lado, estará con la Cineteca FICG UDG concluida, lo que le brinda un espacio propio con las condiciones excepcionales para la proyección de películas (proyectores 4K, sonido ATMOS).

Además, contaremos con la presencia del cineasta Guillermo del Toro, quien presentará su exposición “En Casa con mis Monstruos”, una versión corregida y aumentada de la exitosa presentación que tuvo en Los Angeles County Museum of Art (LACMA), en el Minneapolis Institute of Art (MIA) y en el Art Gallery of Ontario (AGO).

El FICG demuestra así ser un acontecimiento cultural de gran relevancia para el estado de Jalisco y México, posicionándose como uno de los mejores escaparates para la apreciación, difusión, promoción y distribución del cine mexicano e iberoamericano. Es el Festival de Cine más sólido de América Latina con una oferta para la industria cinematográfica que le ha permitido posicionarse en el ámbito nacional e internacional.

Toda la información sobre la convocatoria y el proceso de inscripción en la página de FICG TV Pitchbox.

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Lee el guion de Lost in Translation de Sofía Coppola 

Lee el guion de Lost in Translation de Sofía Coppola 

Por Nayib Gonzalez

Sofía Coppola no es solo la hija de Francis Ford Coppola, sino que a través de los años encontró su voz como directora y escritora de cine. 

Es un hecho que este evento se veía venir, pues creció dentro del mundo cinematográfico y bajo el nombre de la gran leyenda en la historia del cine. Sin embargo, su estilo no se ve tan influenciado  por el de su padre, su propia visión contrasta con su forma de hablar entre silencios, con películas más independientes.

Sofía habla sobre sus experiencias y su forma de ver al mundo, se enfoca en una visión más femenina e incluso juvenil, utiliza colores pasteles y luz natural, y sus historias no son guiadas por tramas si no por temas íntimos como la soledad.

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Como artista, siempre esta 100% involucrada en la elaboración del guion, a pesar de que ha dicho varias veces que es la parte con la que más batalla. La mayoría de su filmografía son adaptaciones de libros o eventos reales, en los que les da un giro interesante como en “María Antonieta”, “Ladrones de la Fama”, “Vírgenes Suicidas” y su más reciente “La seducción.” Sofía ha comentado que si es un hecho que las adaptaciones son más sencillas de elaborar, le emociona la parte de generar nuevas historias, entre sus guiones originales se encuentra “Lost in translation.”

 “Lost in translation” fue la primer película original de Sofía Coppola, que se llevó el Oscar a mejor guion en el 2004. Cuenta la historia de dos personas solitarias, y aisladas de su país y de su vida cotidiana, preocupados por no saber lo que la vida les tenga. Esta misma soledad y el sentimiento de estar perdido se reflejan en todos los elementos de la película, como la fotografía, o su diseño de producción, incluso en las actuaciones y la química entre Scarlett Johansson y Bill Murray.  

Sofía utilizó la improvisación dentro del rodaje, habiendo cambios constantemente entre el guion y la película. Estos son bastante interesantes de comparar, pues a pesar de no estar igual a lo que está escrito, se mantiene la misma esencia e intención que se quería generar. 

Lost in translation comienza presentándonos a los personajes y sus situaciones emocionales en nuestro primer acto. Charlotte, es una joven que lleva casada dos años y acompaña a su esposo en un viaje a Tokio, en donde se encuentra perdida y estancada  en busca de que hacer con su vida. Bob Harris, es un famoso actor estadounidense, quien es llevado a grabar un comercial en la misma ciudad, y que actualmente se encuentra en una situación complicada con su esposa. 

Ambos personajes están conectados por el mismo hotel en que están alojados, y al mismo tiempo su situación emocional es parecida. Se encuentran perdidos y confundidos en una ciudad en la que no hablan el idioma, generando conflicto a la hora de comunicarse.

El suceso que marca el comienzo al segundo acto esta en la pagina 20, cuando Charlotte y Bob intercambian miradas en el bar y se dan cuenta que ambos comparten el mismo sentimiento hacia lo que están viendo. 

De aquí en adelante conocemos más a profundidad esa soledad que ambos sienten, y a la vez Bob y Charlotte comienzan a generar una amistad, en la que comparten su misma desesperación en estar en el lugar en el que se encuentran. 

Una de las partes más bonitas y reconocidas, es cuando ambos se van a emborrachar junto con otros a un karaoke, y comienzan a desarrollar una historia de amor por el resto de la película. Una conexión que se genera en su mismo sentimiento de aislamiento, y un amor y cariño que se nos es mostrado con pequeñas acciones.

Es después del midpoint (entre las paginas 77 y 80 ),  cuando Bob habla con su esposa por teléfono y se da cuenta de lo innecesario y lejano que su matrimonio es. Desde aquí, nuestros personajes intentan tener o generar  algo entre ellos, aplazando sus tareas para tener más tiempo juntos, pero estas mismas acciones los hacen sentir ridículos.

Nuestro climax o nuestro cierre del segundo acto, es cuando Bob vuelve a sus mismos hábitos, a su mismo sentimiento de confusión y desesperación, tras recibir una llamada de su esposa. Bob decide acostarse con la cantante de Jazz del hotel, siendo descubierto por Charlotte a la mañana siguiente. 

El tercer acto se desarrolla como un estilo de perdida, y a su vez una evolución entre los personajes. Ambos se vieron envueltos en una historia de amor distinta, intima, más allá del contacto físico del ser humano. Es la realización de los caminos que ambos deben tomar que concluye la película. 

Bob termina su viaje de negocios y debe regresar a su hogar con su esposa, no puede posponerlo más, mientras que al mismo tiempo,  el esposo de Charlotte esta a punto de volver de su trabajo fuera de la ciudad.

Bob y Charlotte no terminan juntos, pero terminan más seguros en su camino de adentrarse a lo desconocido. 

La escena final es la más discutida y a la que más provecho le puedes sacar mientras comparas el guion. Se nos es mostrado un momento donde el chico persigue a la chica entre una multitud, Bob y Charlotte se dan una despedida más correcta, mucho más intima a todo lo que hemos visto anteriormente.

Mientras que en el guion, su despedida es a través de diálogos, y donde entendemos el cariño  y la tristeza que realmente sienten de alejarse, en la película,  Bob le susurra algo que el espectador no logra escuchar, pero que permite que este mismo se haga teorías de lo que pudo ser cuando vemos la respuesta de Charlotte.

Lost in tranlastion cambia el sentido de lo que es una película romántica, siendo silenciosa y centrándose no en las acciones, si no en las emociones del personaje. 

Los puntos de giro  en la historia nunca se sienten como si lo fueran, pues cada uno de ellos son completamente internos, dándole peso a lo que Sofía quería generar y a su magnifico estilo. Sin embargo, mientras los lees en el guion puedes percibirlos e incluso en la película.

La película tiene un final con una fantástica manera de involucrar al espectador, enganchándolo y haciéndolo parte de esto. El final dado en el montaje, realmente es digno de la historia y del tema central, constantemente vemos a nuestros personajes impulsados por este tema, que a su vez es su mismo conflicto, y es este final abierto que cierra nuestra historia.

Realmente el guion es una muy linda y rápida lectura, Sofía Coppola tiene una bonita manera de redactar en sus guiones, lo más interesante viene a la hora de mantener la fidelidad de esas palabras en el rodaje.  Al mismo tiempo, Sofía tiene una estética que apoya a los temas de sus películas, y la forma en la que mantuvo esa fidelidad le da toda una nueva belleza a la historia. 

Lost in translation no solo nos cuenta una historia de amor, si no que romantiza un estado de ánimo común en el ser humano. 

Lee el guion AQUI.

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Convocatorias internacionales para guionistas 2019 

Convocatorias internacionales para guionistas 2019 

Existen estímulos y concursos para guionistas en todo el mundo, sin embargo, son pocos y no podemos dejar ir la oportunidad de mostrar nuestro trabajo y aprovechar las oportunidades que otros países pueden ofrecernos.

Te compartimos una pequeña lista de los concursos que ya están preparando su convocatoria del 2019.  Ten en cuenta que la solicitud a estos concursos es en inglés.

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FICG TV PITCHBOX. Filmarket Hub presenta la primera edición de FICG TV PITCHBOX  en colaboración con el Festival Internacional de Cine en Guadalajara. Un nuevo evento de pitching enfocado a series de ficción latinoamericanas en fase de desarrollo. Siete proyectos serán seleccionados para hacer un pitch ante ejecutivos de las principales televisiones y plataformas. El evento ya cuenta con la participación confirmada de empresas como HBO Latin America o Turner. Además, Cinecolor premiará a un proyecto con 500.000 pesos para postproducción. Inscribe tu proyecto en el mercado online de Filmarket Hub antes del 17 de enero y haz tu serie realidad en Guadalajara.

In Development. Drama Producers Pitch. Cannes International Series Festival, abre su segunda edición de competencia para productores en busca de financiamiento para el desarrollo de proyectos de serie. Los finalistas podrán participar con un pitch en MIPTV, mercado internacional de contenido en desarrollo y distribución, que sucede en Cannes del 8 al 11 de abril. Cierra el 11 de enero.

Season 8: The Pitch Competition. Evento organizado por ATX Television Festival para todos los guionistas interesados en presentar su proyecto de serie a showrunners y ejecutivos de televisión. Debes postular un pitch de 90 segundos y un piloto. El primer round de la competencia cierra el 18 de enero.

Concurso de Guion de Cortometraje. El Festival de la Almunia abre su convocatoria para guiones de cortometraje en las categorías libre, juvenil, aragonés, comarcal o hispanoamericano. Hay 1.900 euros e premios. Cierra el 25 de enero.

Writing Program Nickelodeon. Nickelodeon abre su convocatoria para presentar el spec de una de las series que proponen en su web. El ganador o ganadora tendrá la oportunidad de trabajar como guionista durante seis meses en la sede de Nickelodeon en Burbank, California.  Se podrá presentar del 1 al 31 de enero del 2019.

PAGE International Screenwriting Awards. Hay $50 mil dólares en premios. La competencia reúne a productores, agentes y ejecutivos como parte del jurado. Abierta del 1 de diciembre a marzo del 2019.

UGC Writers Campus. Programa para para guionistas que se celebra en el marco del festival Series Mania. Durante una semana, los creadores de los proyectos de serie seleccionados desarrollarán su idea en un workshop intensivo junto con expertos reconocidos en el sector a nivel internacional. Al terminar el taller, los 20 creadores presentan sus series ante la industria en un pitching. La convocatoria cierra el 9 de enero del 2019.

Slamdance Screenplay Competition. Creado desde 1995, la competencia está dedicada a guionistas emergentes quienes pueden aplicar sin importar el género o tema. La convocatoria estará abierta hasta el 23 de julio del 2019.

Final Draft Big Break Screenwriting Contest. Puedes aplicar en la categoría de cine o tv, es una competencia para guionistas en desarrollo. Parte del premio incluye un viaje a LA para conocer agentes, productores y ejecutivos.

Sundance Screenwriters Lab. Uno de los laboratorios de guion más importantes que da la oportunidad a los guionistas de entrar al Festival de  Cine de Sundance así como poder aplicar a las becas de producción.  Son cinco días de trabajo para trabajar en tu guion de largometraje con apoyo de un asesor. La aplicación al Laboratorio de 2020 está por abrir.

HBOAccess Writing Fellowship. Diseñado para guionistas emergentes interesados en desarrollar un guion de media hora o de una hora para HBO o Cinemax. El programa elegirá a ocho guionistas para asistir a las clases magistrales en Santa Monica y estar en contacto con ejecutivos. La convocatoria abre el 6 de febrero del 2019.

IV Residencia Iberoamericana de Guion.  Por cinco semanas, en la ciudad de Cali,  ocho guionistas iberoamericanos, participaran en un programa de inmersión que otorga herramientas y un ambiente de trabajo óptimo para robustecer sus guiones de largometraje de ficción. Cierra el 10 de febrero.

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Guiones de series: Mad Men (Piloto)

Guiones de series: Mad Men 

A term coined in the late 1950’s to describe the advertising executives of Madison Avenue.

They coined it.

Mad Men nació a partir de un spec escrito por Matthew Weiner, mismo que le consiguió trabajo como escritor en Los Soprano. Siete años después, Mad Men fue producida por AMC y seleccionada como uno de los mejores guiones de TV.

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Weiner comenzaba cada temporada releyendo el prefacio de John Cheever en Collected Stories: “A writer can be seen clumsily learning to walk, to tie his necktie, to make love, and to eat his peas off a fork. He appears much alone and determined to instruct himself”. Su escritura sucedía en las noches, excepto los domingos, cuando escribía todo el día y toda la noche.

El piloto de la serie es sobre alguien que ha tenido mucha suerte y ha luchado y obtenido lo que quería. Será a lo largo de la serie y las siete temporadas de Mad Men que conoceremos a Don Draper, sus más profundos secretos y conflictos que lo convierten en un personaje memorable y que podemos volver a ver cada que nos encontremos luchando por comprender el sentido de la vida.

Te compartimos algunas lecciones de guion que podemos aprender de esta gran serie de tv.

  1. La mitología de la serie. El tener un backstory que se convierte en el misterio central de la serie, un pasado que afecta el presente y futuro de nuestros personajes. Los personajes se muestran humanos y por tanto vulnerables. Queremos verlos enfrentando ese pasado y tal vez madurando o perdiendo toda esperanza. En el caso de Don Draper, un hombre encantador, que tiene todo en la vida para ser feliz pero que oculta un pasado que revela su naturaleza.
  2. Personajes Complejos. En Mad Men podemos encontrar personajes complejos que giran en torno al protagonista pero que también se permiten funcionar fuera de él, tener conflictos que solo los afectan a ellos y que deseamos ver si tienen éxito o no. Un ejemplo es Peggy Olson, un personaje que va creciendo con el paso de cada temporada o el mismo Don Draper quien es un personaje icónico porque conocemos su vulnerabilidad.
  3. Todo se basa en los personajes. Son ellos los que guían el conflicto en la serie, de ahí la importancia de crear personajes complejos, no solo el protagonista de la serie.
  4. Una época, un mundo. El espacio donde sucede la historia es un personaje más en la historia. Su naturaleza alimenta los conflictos de la trama y de los personajes. Nos permite explorar un tiempo y en el caso del Mad Men, el mundo de la publicidad.
  5. Escribe tu serie. Como Matthew Weiner no esperes a solo presentar una idea, siéntate y escríbela. Nunca sabes hasta donde puede llegar.

Lee el capítulo piloto de la serie AQUI.

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Roma y las opciones femeninas

Roma y las opciones femeninas

Por Gustavo Ambrosio.

La mamá de una de mis mejores amigas, la señora Isa Cortés, habla mixteco y es originaria de la misma zona donde creció Yalitza Aparicio, protagonista de Roma(2018)de Alfonso Cuarón. Al igual que miles de mujeres, la señora salió de su casa muy joven a trabajar a la capital en un país que pugnaba por su modernidad en copia al vecino del norte.

Trabajó en la labor doméstica en una casa donde si bien no se le trataba mal le pagaban tres pesos al mes (literal), además de que tuvo que enfrentarse a la discriminación en la urbe al grado de que decidió dejar de hablar su idioma por un tiempo. Comparada con su historia, la vida ficcional de Cleo es una fortuna.  Y ella misma lo dice.

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El personaje es muy light para la época en que se supone que vive. En esa época había una discriminación muy fuerte y violenta de parte de los patrones hacia sus trabajadoras domésticas. La mayoría de las jóvenes llegaban a la ciudad sin hablar español y el trato era difícil. Nos veían como las indias, no podíamos usar nuestra ropa típica o huaraches porque así nos iba. De hecho, la joven de la película se viste mejor de cómo vestían en esa época. Mi madre trabajó en varias casas también cuando vino a la ciudad y cuenta que el trato era, si no de maltrato, al menos sí de explotación. En la película, por ejemplo, jamás ponen cuánto ganaba Cleo y creo que o le faltó investigación o se le olvidó ponerlo”.

En una escena de la película hay un momento donde el personaje principal lava ropa en la azotea y al fondo podemos ver una variedad de mujeres que se dedican a lo mismo que ella. No sabemos cuál de esas muchachas tuvo una suerte mejor que la otra. Pareciera un oasis del maltrato que seguramente vivieron la mayoría de ellas en esas casas. 

La señora Cortés cuenta que conoció a una chica que se embarazó en aquel tiempo, y si bien no fue corrida por sus patrones, esto no disminuyó la carga del trabajo que no era poca. Agrega que en realidad la “chica de la película tuvo suerte” porque lo común era que si se embarazaban terminaban las chicas terminaban en la calle. 

“Supongo que está retratando sólo lo que él vio, pero eso no quiere decir que todas las historias fueran iguales, siento que debió poner algo más de realismo si de verdad quería hacerlo más sensible. No digo que no sea honesto, sólo que está contando la historia de alguien más desde sus ojos”.

En ese sentido, Roma está hecha de lo que el director tiene a la mano para hablar de un tema: las oportunidades para las mujeres en nuestra cultura. 

Ser ama de casa o madre, en un país dominado por hombres, es la cúspide de los valores femeninos. Sigue siendo así, aún en las ciudades. Peor aún en las provincias. Y esas opciones tan acotadas son las mismas que tuvieron tanto la mamá de mi amiga como las protagonistas de la casi autobiografía de Cuarón.

La mujer que limpia…

Empecemos a hablar del tema de la labor doméstica. En el tratamiento de su relación interpersonal de personajes, la representante de México en los Oscar se parece más a The help (Tate Taylor, 2011) que a su símil latinoamericana La nana (Sebastián Silva, 2009). En la primera, vemos relaciones de poder de mujeres, patronas y trabajadoras, que están sometidas a un mundo masculino y que, dentro de sus propias limitaciones, incluyendo un entorno racista, se entienden, se acompañan o se vejan. 

Por su lado, la cinta chilena deja bien marcadas las diferencias de clase de una mujer que es “considerada de la familia” pero que es tratada con una ingenuidad violenta por parte de sus patrones. Es desplazada, es casi un elemento de compañía funcional que sólo encuentra liberación a través de una joven similar a ella.

El retrato de la “servidumbre” en Roma sale de un hombrede clase media alta que está consciente de sus propios privilegios, que los conoce y que en el fondo le incomodan. La película, hecha de retazos de la memoria, pareciera un intento por volver al pasado para entender por qué no lo advirtió antes. 

La pulsión clasista de Cuarón se funde en su intento por reconocerse y reconocer a toda una sociedad en la historia de Cleo y una familia de clase media desintegrada. No demuestra, sólo muestra. 

Por supuesto, hay un distanciamiento en cuanto a situaciones que evidentemente él no conoce de primera mano y se nota. Diálogos forzados en ciertos momentos, escenas poco verosímiles o exageraciones. Sin embargo, jamás trata de hacer los acercamientos hipócritas o falseados de los cineastas militantes mexicanos que denuncian socialmente sin haberse parado nunca en los barrios que supuestamente defienden. 

Por ahí leí que Roma era una “apología de la servidumbre” porque el personaje es pasivo a todo lo que le ocurre. En ese sentido, tendríamos que empezar a revisar películas que tratan de reventar este modelo cultural tal como lo hizo en su momento Gosford Park (Robert Altman, 2001).

En ella,la hipocresía y la violencia de la lucha de clases se eleva hasta un asesinato que resulta ser una suerte de golpe de efecto dramático que encumbra y ajusticia a las clases (literal) de abajo. 

Algo similar ocurre en Workers (José Luis Valle, 2013),donde el clasismo de las ciudades del norte del país llega al grado de igualar el trato hacia una mascota con el que se le da a la gente de servicio. En este filme, el sometimiento absurdo se paga con una radicalización de los “workers”, quienes conquistan lo que creen que les pertenece para gozar del estilo de vida en el que siempre han estado, pero nunca han vivido.

¿Cuál es la diferencia de la película de Cuarón con estas? En que la visión busca más el realismo simbólico que el género dramático. Cleo, más que un personaje es una imagen y es esa imagen misma la que causa incomodidad a muchos que se golpean el pecho en pos de la corrección política.

En su indignación y doble discurso  contra el servilismo, consideran inmoral y degradante que alguien se dedique a labores domésticas; es decir, no atacan al abuso de autoridad, a la esclavitud, la explotación o los acosos laborales que se dan en todas las áreas productivas actuales, si no a esa figura de la mujer que trabaja en una casa limpiando como si eso fuera algo despectivo o “bajo”. Hoy en día, hay muchas mujeres dedicadas a la labor doméstica que defienden mejor sus derechos que aquellos que trabajamos “dignamente” en una oficina bajo un régimen de honorarios y horas extras sin pagar.

El clasismo correctivo no va hacia los males primordiales, sino a las imágenes estereotípicas que se mueven en la cabeza de quienes se niegan a aceptar su propio clasismo. Les pregunto yo, ¿si limpias casas y al mismo tiempo te llevas bien con la familia para la que laboras, es denigrarse? Me parece que la respuesta no es tan absoluta. 

Hablan de romantizar la servidumbre, cuando hay partes donde se pone sobre la mesa la laboriosidad, injusticia y hasta cierto desdén con el que se trata a la chica que lleva las tareas cotidianas de esa casa clasemediera. De hecho, hay una progresión dramática en cuanto a los tratos entre la patrona y su trabajadora, cuando se dan cuenta que son víctimas de un mismo sistema.

Creo que el filme apela a una emoción de conciliación entre sectores divididos de la población. Enmarcar la historia en los años 70 es una forma de mostrarnos el momento de quiebre de una ciudadanía crédula en cuanto al “desarrollo” (aún es crédula), la década que vio el milagro mexicano desaparecer. La escena de la playa enlaza a los miembros de una sociedad destrozados por un estado paternalista y totalitario manejado por una élite que no reconoce como iguales a aquellos que no son blancos ni rebosan de dinero. 

Sin embargo, si somos justos, la película ganadora del León de Oro es, como dice la señora Cortés, muuuuuy “light” , sobre todo para un país donde recientemente una familia “amable y respetable” encadenó a una joven en una planchaduría, donde miles de mujeres en aquella época sufrieron maltratos por ¡limpiar! ¡Por ayudar!

Los anhelos de “un tiempo perdido” que hacen algunos comentaristas y críticos reflejan esa misma laxitud a la hora de alabar la película y pasan por alto el esqueleto crítico principal de Cuarón que se sostiene en símbolos.

La mujer que tiene un hijo…

Rosa y Esthela ayudaron a mi abuelita durante mucho tiempo. Vivían en su casa, comían con nosotros, viajaban con nosotros y, además, nuestras amigas de la infancia. Ambas, en algún punto, decidieron, de acuerdo a lo que la sociedad mexicana indica que es opción para ellas, casarse.Ambas se fueron con los hombres que posteriormente las abandonaron con sus respectivos hijos y al final siguieron trabajando.

¿Se le puede llamar un error a la maternidad de las mujeres cuando el bombardeo constante idiosincrático es que es lo máximo a que pueden aspirar? La respuesta me parece negativa. 

En ese sentido, rescato una pregunta que hace uno de los personajes de Shoplifters (HirokazuKoreeda, 2018) y que se conecta con Roma: ¿tener un hijo te hace automáticamente una madre?

Cuando un hijo es algo obligatorio para alguien las conexiones emocionales se diluyen y la culpa por no quererlo se transforma en odio. La película de Koreeda nos demuestra que es así y que la sociedad actual sólo acepta maternidades que tengan la capacidad de “crianza”. No importa si los padres golpean o insultan a una niña de cinco años, si tienen un departamento y un trabajo estable, es preferible a que estén con una madre adoptiva que lava ropa ajena y vive en una casa apenas de pie. La maternidad también es un asunto de clase.

En la película de Cuarón, Cleo se transforma en un símbolo de la cuestión social mexicana contemporánea sin mostrar lo que pasa hoy. La maternidad como una humillación y una desventaja para cierto sector social. Cleo tiene una gran conexión con los niños que cuida, pero no se considera digna ni apta para tener uno. Explota ahí una bomba de prejuicios en torno al deber máximo de la mujer mexicana: la maternidad, siempre y cuando no sea de un pueblo originario o viva en condiciones de pobreza. Es una de las opciones, pero no debe ser la opción, sin embargo, si llega, debes aguantarlo… ¿Por qué deberían aguantarlo?

La descomposición social de nuestro país deriva de generaciones y generaciones nacidas y criadas bajo un disimulado rencor materno hacia sus hijos. Alimentada por el machismo bobalicón y pusilánime, la idea de la maternidad obligada ha engendrado un odio que será difícil de erradicar y ahí está la secuencia de los halcones persiguiendo a sus pares para entenderlo; ayer fueron ellos, hoy hay ejemplos para aventar al aire.

Roma es una alegoría melodramática hecha desde el remordimiento por el privilegio; parecida en la forma a Amarcord (Federico Fellini, 1973), distinta en que la mirada pasada hace ecos en el presente en torno a un sistema lleno de contradicciones, manejado por un machismo encumbrado hasta los rincones más plausibles. En la película de Cuarón, y aún en nuestra realidad “orgullosamente mexicana”, ninguna mujer está exenta de sometimiento.

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Lee el guion de Hannah y sus Hermanas de Woody Allen

Lee el guion de Hannah y sus Hermanas 

Por Nayib González.

Director, guionista, comediante y actor,  Woody Allen es uno de los artistas más influyentes y reconocidos de la industria. Desde 1966 nos ha dado como mínimo una historia al año, y es hasta el día de hoy que ha sido creador de 55 películas, entre las mas reconocidas se encuentran Media noche en Paris,  Manhattan, Blue Jasmine, Annie Hall, Match Point y Hanna y sus hermanas.

Su amor por el cine, nació después de haber trabajado como escritor para la televisión, en donde aprendió mucho de lo que sabe. Fue gracias a la presión, donde a veces se veía obligado a escribir en solo minutos, que se creo su hábito de escribir de forma constante y rápida.Woody Allen nunca deja de escribir, una vez que su montaje está listo, comienza a crear una nueva historia.

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Introduce un humor negro en sus dramas cómicos,  presentando al espectador situaciones  divertidas que son incómodas para los personajes. 

Sin duda, su trabajo es bastante interesante de analizar. Con temas sobre la muerte, el miedo, la angustia, sexo  y la vida de las parejas,  que le da un estilo reconocible.

“Hannah y sus hermanas”  es considerada una de sus mejores obras. Fue nominada en diferentes categorías al Oscar en 1987, ganando el premio a mejor guion. 

La historia  nos cuenta la vida de tres hermanas que mantienen una buena relación, cada una con sus tragedias y logros. Hannah es la mayor, y la que aparentemente tiene una vida equilibrada, a pesar de estar casada por segunda vez. Es a ella, a quien Lee y Holly recurren buscando la solución a sus problemas.  Paralelamente, tenemos la historia de Mickey, un productor hipocondríaco y  ex-esposo de Hannah. 

La película te atrapa con un gran detonante y uno de los  primeros conflictos planteados. En la cena de Acción de gracias conocemos a Elliot, esposo actual de Hannah, y quien tiene un crush con una de las hermanas de su esposa, Lee. 

Además, conocemos la relación de estas tres hermanas  y su forma de ser individualmente. Mientras Hannah es una mujer responsable y en una situación estable, sus dos hermanas siguen en la búsqueda de su sentido de vida, tanto artístico como personal. 

Con nuestro primer plot, entramos a nuestro segundo acto de la historia, Mickey se entera de la posibilidad de tener un tumor en la cabeza.

Desde aquí, Mickey comienza a hacerse estudios médicos e ideas, Holly conoce a un nuevo pretendiente en su nuevo trabajo de catering. Elliot, comienza a intentar de todo para tener encuentros casuales con su cuñada, e incluso llega a confesarle su amor indirectamente,  a través de un poema, lo que comienza a generar ideas y preguntas dentro de Lee.

Cada uno de los personajes se ve envuelto en sus propios conflictos y  detonantes,  es en la primera parte del segundo acto que conocemos todos estos problemas que los rodean individualmente, e  incluso,  grupalmente. 

Después de que Elliot y Lee se confiesan sus sentimientos cara a cara, llegamos a nuestro midpoint, en donde los deseos de nuestros personajes cambian. 

Elliot esta dispuesto a dejar a Hannah para poder estar con Lee, quien después de varios encuentros con el esposo de su hermana decide dejar a su novio. 

Mickey se entera que se ha sugestionado todo este tiempo, y sus ideas de tener una enfermedad terminal son falsas, haciendo que Mickey recapacite sus últimos días,  así como su vida entera. 

El distanciamiento de las hermanas comienza a aparecer, a pesar de que no es tan grande, sus diferentes ideas chocan causando una discusión durante el almuerzo.  Mientras que Holly siente un ataque por parte de Hannah, Lee siente una tristeza al saber que Hannah pasa por un mal momento en casa, sabiendo que es ella misma a quien debería culpar. 

Después de esto, en el acto tres,  las hermanas toman sus ultimas decisiones. 

El otoño está de vuelta, trayendo consigo un nuevo día de “Acción de gracias” que concluye la historia, y que contrasta con nuestra primera escena.  Lee decide acabar la aventura, y se permite conocer a alguien nuevo. Y tras una grande negación, Elliot se da cuenta de lo mucho que ama y respeta a Hannah. 

Holly y Mickey se reencuentran, después de haber intentado tiempo antes en la historia, tener una cita, misma que termino en desastre, convirtiéndose en la peor experiencia para ambos. Tras el descubrimiento de Mickey de  lo que realmente era la vida y la muerte, más la decisión de Holly, de quedarse como escritora y dejar de saltar de trabajo en trabajo, permite que ambos decidan otorgar una oportunidad a una nueva relación. 

La historia tiene la capacidad de nunca olvidarse de sus personajes, cada uno tiene sus propios conflictos, caracteres y resoluciones. Ninguno esta dejado de lado. 

Las diferencias que hay entre el guion y la película son bastantes. El tercer acto  por ejemplo, aunque mantenga su esencia y objetivo, es completamente diferente, pues hay bastantes escenas escritas que nos revelan acciones, o el por qué de las decisiones finales de nuestros personajes.

Además, Woody Allen permite que las cosas se vayan dando en el rodaje, teniendo en cuenta la aportación que llega a dar el actor y el pequeño giro que da a la historia. 

La alternación del drama con la comedia se siente con la aparición del personaje secundario de Mickey, contrastando las historias, relajando la tensión del desastre familiar en el que las hermanas viven.

La crisis de la mediana edad, la forma en la que está dividida en capítulos, la manera de contar paralelamente la vida de las personas importantes alrededor de Hannah, y su manera de entre cruzar sus diálogos, hacen la obra importante que es “Hannah y sus hermanas”.

Woody Allen habla sobre su propio conflicto existencial, el miedo a la muerte, y a su vez, su búsqueda del significado de la vida. 

Puedes leer el guion AQUI. 

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